Danny Kaye

 

                                                         Kaye en 1945

Danny Kaye (Nueva York, 18 de enero de 1911-Los Ángeles, 3 de marzo de 1987) fue un actor, cantante, bailarín y humorista estadounidense de inmensa popularidad en las décadas de 1940, 1950 y 1960. Uno de los artistas más polifacéticos de su época, se destacó también por su labor humanitaria como embajador de la UNICEF, mereciendo la Medalla Presidencial (el más alto honor civil de Estados Unidos), dos Óscar de la Academia y la Legión de Honor del gobierno francés por su contribución artística y a la humanidad.

Biografía

Era hijo menor de Jacobo y Clara Kaminsky, inmigrantes judíos, nació en Brooklyn y fue registrado como Daniel David Kaminsky. A los cuatro años demostraba su talento cantando en la escuela pública número 149 (hoy lleva su nombre) y a los 12 se hizo asistente del dentista Samuel Fine (padre de su futura esposa). En 1929 en los Catskills comenzó a frecuentar los centros de entretenimiento judío del llamado Borscht-Belt abandonando sus ilusiones de ser médico.

Nunca completó su educación formal, y debutó en 1935 en la película Moon over Manhattan. En 1941 causó sensación cuando apareció en la obra de Broadway Lady in the Dark de Kurt Weill e Ira Gershwin, interpretando el famoso número "Chaikovski", donde cantaba una cadena de nombres de compositores rusos a una velocidad impresionante, dando la sensación de no respirar ("El primer hombre en cantar 54 nombres en 38 segundos")[1]​[2]​

En 1944 trabajó en Up in Arms (Rumbo a Oriente) y en varios filmes con Virginia Mayo, en 1951 ganó un Globo de Oro por On the Riviera; en 1954 en Navidades blancas con Bing Crosby en un papel concebido originalmente para Fred Astaire; en la sátira cómica El bufón de la corte[3]​ con Basil Rathbone, Glynis Johns y Angela Lansbury y en dos películas biográficas: Hans Christian Andersen (1952) y Las cinco monedas con Louis Armstrong[4]​ sobre el pionero del jazz Red Nichols por el que ganó un premio Óscar Especial de la Academia de Hollywood. En 1958 ganó su segundo Globo de Oro por Me and the Colonel con Curd Jürgens.

Durante la Segunda Guerra Mundial fue investigado por el FBI por una supuesta evasión del servicio militar y luego con grupos comunistas. Ambas acusaciones fueron luego denegadas.[5]​

Inmensamente popular en el Reino Unido - donde según la revista LIFE se le profesaba "adoración bordeando en la histeria"[6]​ fue requerido por la familia real inglesa en 1948 que asistió a su show unipersonal en Londres[7]​ mudándose del palco real a la primera fila para verlo más de cerca.[1]​ Fue la primera "non-command performance" de un monarca después de la guerra. Las letras de muchas de sus ingeniosas canciones fueron escritas por su mujer, la compositora Sylvia Fine con quien mantuvo un matrimonio dispar. Tuvieron una hija (Dena Kaye) y nunca se divorciaron formalmente, pero Kaye mantuvo comentados romances con Eve Arden y Marlene Sorosky entre otras. También es conocido su romance con la actriz y directora teatral uruguaya China Zorrilla durante el año 1965. La amistad con Lawrence Olivier (según un biógrafo del actor inglés, presuntamente homosexual, fue desmentida por su viuda Joan Plowright) finalizó cuando Kaye canceló su anunciada aparición en Arlequín, servidor de dos patrones dirigida por Olivier para acudir a Israel durante la Guerra de los 6 días en 1967.[8]​

Sus últimas apariciones en cine fueron durante la década de 1960, en La millonaria con Sophia Loren y Peter Sellers y La loca de Chaillot con Katharine Hepburn y Charles Boyer.

En televisión tuvo El show de Danny Kaye durante 1963-67,[9]​[10]​ ganando un Premio Emmy en 1963 y otro en 1975 por su aparición en "Danny Kaye's Look-In and the Metropolitan Opera". En 1976 actuó en el telefilm Pinocchio y Peter Pan y en 1981 una premiada aparición en Skokie donde encarnó un superviviente del Holocausto.

En 1970 regresó a Broadway en Two by Two, se rompió una pierna pero siguió actuando durante los 10 meses siguientes en una silla de ruedas o en muletas.

Célebre parodiador musical, llegó a dirigir orquestas sinfónicas de primer orden "reemplazando" a Eugene Ormandy y Zubin Mehta. Su presentación "En vivo desde el Lincoln Center con la Filarmónica de Nueva York" se transmitió a todo el país y mereció una nominación a los Premio Emmy.[11]​[12]​ Se recuerdan sus intervenciones con Beverly Sills[13]​ y otras figuras de la música.

Entusiasta deportista, fue uno de los fundadores del equipo de béisbol los Seattle Mariners.

Murió en Beverly Hills donde vivía en 1987 de un ataque al corazón después de una larga convalecencia por hepatitis C contraída por sangre contaminada durante una transfusión de cuádruple cirugía de by-pass en 1983.

En el año 2002 se estrenó la obra Danny and Sylvia: The Danny Kaye Musical, sobre la vida y relación del matrimonio.

Premios y labor humanitaria

Premios Óscar

Año	Categoría	Resultado
1955[14]​	Óscar honorífico	Ganador
1982[15]​	Premio Humanitario Jean Hersholt	Ganador

Además de sus dos Óscar, Emmy y Globos de Oro, fue un destacado humanitario y pacifista.

Se le designó embajador permanente de buena voluntad de la UNICEF siendo el encargado de aceptar el Premio Nobel de la organización como su representante en 1965.

Piloto de aviones por vocación podía manejar tanto aviones de un motor como 747 y por una campaña de la organización una vez voló entre 65 ciudades en cinco días.[1]​ Entre sus contribuciones, recaudó más de 10.000.000 de dólares en fondos de pensiones para músicos.

En 1984 fue receptor de los honores anuales del Kennedy Center, merecedor de la Medalla Presidencial - el más alto honor civil otorgado por los Estados Unidos- y el asteroide (6546) Kaye fue nombrado en su honor.

Mereció una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Fue condecorado con la Legión de Honor del gobierno francés en 1986.[16]​

Se destacó como chef de comida china y el teatro del Instituto Culinario de América en Hyde Park lleva su nombre en su honor. Según el chef Paul Bocuse, su casa era "El mejor restaurante chino de California", opinión compartida por invitados como Luciano Pavarotti, Shirley MacLaine, Henry Kissinger, el Príncipe Felipe, actual Rey de España y la Reina de Holanda.

El teatro del prestigioso Hunter College en Nueva York, desde 1993 lleva el nombre de The Sylvia and Danny Kaye Playhouse[17]​

Orígenes del rock and roll

El rock and roll como tal, tiene sus orígenes en los años 1950, pudiendo observarse, sin embargo, elementos propios de este género en producciones de Rhythm and blues que datan incluso de los años 1920. En los orígenes del rock and roll existía una combinación de elementos de blues, boogie woodgie, jazz y rhythm. El género también estaba influenciado por géneros tradicionales como el Hillbilly, la música folk de Irlanda, la música gospel y la música country. Regresando aún más atrás en el tiempo, se puede trazar el linaje del rock and roll hasta el antiguo distrito Five Points de Nueva York a mediados del siglo XIX, que fue el escenario de la primera fusión entre la música africana fuertemente rítmica y los géneros europeos.

Rock and roll

Artículo principal: Rock and roll

El término rock and roll se coló en la música espiritual negra en el siglo xix, pero con un significado religioso, y fue grabado por primera vez en soporte fonográfico en 1916.

Antes de 1947, la única gente que solía hablar de "rocking" eran los cantantes afroamericanos de gospel. "Rocking" era un término usado por los afroamericanos para denominar la "posesión" que experimentaban en determinados eventos religiosos, y el término también hacía referencia al poderoso ritmo que se hallaba en la música que acompañaba dicha experiencia religiosa. Esta música llegó a ser tan poderosa y popular, que casi cada artista afroamericano sacaba un disco de este nuevo género.

Origen del término

En la década de 1940, el término "rock and roll" se empleaba ya en las valoraciones de grabaciones discográficas del periodista y columnista de Billboard Mauri Orodenker. En la edición del 30 de mayo de 1942, por ejemplo, describió la voz de Rosetta Tharpe en la reedición de "Rock Me" como "un canto espiritual de rock and roll".

R&B (acuñado en 1949) era un término demasiado ambiguo, porque R&B era una categoría que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el góspel. Cualquier otro estilo era considerado R&B pero como esta música rocking era nueva y revolucionaria, necesitaba un nuevo nombre, así que los disc jockeys, liderados por uno de Cleveland llamado Alan Freed, comenzaron a llamarlo rock and roll. Esto sucedió en 1951 y muchos DJ's usaron ese término, que también era utilizado para comercializar la música a una audiencia más amplia.

Significados del término

Un significado doble e irónico surgió en 1947 gracias a la canción Good Rocking Tonight del cantante de blues Roy Brown en la cual la palabra rocking era aparentemente acerca de bailar pero podía tratarse de una alusión sutilmente velada al sexo.

La versión definitiva de esta canción la hace Elvis Presley, en 1954. Estas dobles intenciones no eran nada nuevo en la música blues (que estaba mayormente limitada a las rocolas y los clubes) pero eran desconocidas en las transmisiones de radio. En general, el término rocking, adquirió un nuevo significado: el sexo.

El Rock and Roll, como ya se mencionó, tuvo su origen en la fusión de distintos géneros de música afroamericana. En 1947, Roy Brown hizo un blues llamado "Good Rocking Tonight", que era una parodia del góspel, donde, en lugar de "rockear" al Señor, él ponía a gente de iglesia como Deacon Jones y Elder Brown a "rockear" de modo no religioso (bailar de un modo vulgar, o altamente sexual). Tras el éxito de la primera versión de "Good Rocking Tonight" muchos otros artistas de rhythm and blues usaron títulos similares a fines de los años 1940, incluyendo una canción llamada "Rock and Roll" grabada por Wild Bill Moore en 1949. Estas canciones estaban relegadas a las tiendas de race music (el alias que usaba la industria de la música para referirse al rhythm and blues) y eran apenas conocidas por las audiencias blancas. Nótese que en aquella época estaba presente la alta discriminación racial en los Estados Unidos.

Wynonie Harris grabó una versión del disco de Brown, también en 1947, pero lo iba a convertir, tomando como base lo que sucedió después, en una de las grabaciones más importantes de la historia de la música. Cogió la broma de Brown, sobre la gente de iglesia "rockeando", pero como añadido a la parodia, cambió el ritmo a un compás y ritmo de góspel, fusionando de ese modo góspel y blues de un modo innovador. Cuando la versión de Wynonie Harris de "Good Rocking Tonight" se grabó en diciembre de 1947 y entró en listas en 1948, comenzó una revolución. Aunque Harris no era el primero en cantar blues con un compás góspel, ya que otros como Big Joe Turner lo habían estado haciendo durante años, fue el disco de Harris el que comenzó la moda del rocking en el blues y el R&B de finales de los 40. Tras el disco de Harris, la onda expansiva de canciones de blues rocking, hizo que todo artista negro sacase un disco de rocking blues en 1949 o 1950. Hubo una prohibición de grabar durante el año 1948, por lo que muchos de los discos que se grabaron a principios de 1949 se habían grabado realmente en secreto en 1948. Una de dichas grabaciones era el "Rocking At Midnight" de Roy Brown, que fue su respuesta a la versión de Wynonie Harris de su "Good Rocking Tonight". En 1952 y 1953, el "rock and roll" se estaba caracterizando cada vez más por dulces baladas de amor de grupos vocales adolescentes con nombre de pájaro, como Crows, Ravens, Orioles, Cardinals, y otros de ese mismo estilo. Normalmente, las caras B de dichos discos eran temas rápidos para el baile, que fueron llamados "rockers". En las diversas partes de los Estados Unidos, la gente les iba añadiendo sus influencias locales:

• En las ciudades del norte, las comunidades italiana y puertorriqueña tocaban "rock and roll" a su manera.
• En la costa oeste, los chicanos lo tocaban en castellano.
• En el sur, los cantantes de country añadían "rock and roll" a su "hillbilly boogie" y nacía el "rockabilly".
• Los cajun en Luisiana añadían "rock and roll" a su música, y nacía el zydeco.
• Los ingleses añadían "rock and roll" a su música y nacía el "skiffle".
• Los jamaicanos añadían "rock and roll" a su música y nacía el "Ska", que evolucionó al "Rocksteady" y más tarde (mediados de los 70's) el "Roots Rock Reggae"

Todo esto sucedía a principios de los 50, La primera vez que el "rock and roll" aparecía en la televisión estadounidense fue el 2 de mayo de 1954, cuando The Treniers aparecieron en The Colgate Comedy Hour siendo los anfitriones Jerry Lewis y Dean Martin. Esto es mucho antes de que Elvis apareciera en televisión.

Explosión de los años 1954-1960

Hubo una gran explosión entre 1954 y 1960. Elvis, Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard y otros estaban tocando rock and roll perfectamente desarrollado. Algunos lo describen como un momento mágico en un estudio de grabación, con músicos pasando el rato durante un descanso y tocando algo no ensayado, y de repente, accidentalmente inventan un tipo de música completamente nueva. Cuando el rock and roll se arraigó por completo tras la llegada del rockabilly, y más aún con la invasión británica de principios de los años 1960, se convirtió en una música basada en la guitarra, y los guitarristas, buscaban de modo natural a otros guitarristas como pioneros de la música. Así, las compañías discográficas se mostraron interesadas en reeditar el material antiguo en tanto y cuanto hubiese un guitarrista al frente. Pero el rock and roll de antes de 1954 estaba basado en el saxofón, con muy poca guitarra. Y mientras el saxo se había retirado virtualmente del rock and roll a partir de 1956, muchas de las estrellas primigenias permanecieron olvidadas. Lo mismo con el piano, que fue probablemente el instrumento en el que se tocó rock and roll por primera vez. A mediados de los años 1950, cuando el rock and roll era popular, cada compañía discográfica importante tenía unas cuantas megaestrellas que intentaban vender. Y luego surgieron los Beatles, grupo que marcaría una revolución, no solo en el aspecto musical, si no también en la moda, y la sociedad misma. Con ellos se daría el fenómeno conocido como "la ola inglesa". El movimiento a su vez influyó en muchas agrupaciones estadounidenses (como los byrds) alcanzaría su punto más álgido en 1965 y 1967.

• Sister Rosetta Tharpe
• Elvis Presley
• Chuck Berry
• The Doors
• The Rolling Stones
• The Beatles
• The Who
• Queen
• Creedence Clearwater Revival
• Jerry Lee Lewis

Como toda música, el rock and roll, desarrolló bastantes géneros, y uno bastante conocido, el rock.

Rare Earth - Get Ready - complete track -1970

George Gershwin

 

George Gershwin
George Gershwin en un retrato fotográfico de Carl Van Vechten, marzo de 1937. Library of Congress
Nacimiento	26 de septiembre de 1898 Brooklyn, Nueva York, Nueva York, Estados Unidos de América
Fallecimiento	11 de julio de 1937 (38 años) Beverly Hills, California,Estados Unidos de América
Ocupación	Compositor y pianista.

George Gershwin (Brooklyn, Nueva York, 26 de septiembre de 1898 - Beverly Hills, California, 11 de julio de 1937), con nombre de nacimiento Jacob Gershovitz, fue un compositor estadounidense.

Primeros años

Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío, su talento para la música se manifestó a temprana edad, cuando, mediante un voluntarioso aprendizaje autodidacta, aprendió a tocar el piano. Ante su entusiasmo, su padre decidió hacerle estudiar con un profesor, Charles Hambitzer, quien le descubrió el mundo sonoro de compositores como Franz Liszt, Frédéric Chopin o Claude Debussy. Los referentes de Gershwin en aquellos primeros años fueron Irving Berlin yJerome Kern, compositores de Broadway de la época. Su gran sueño era el de triunfar como compositor en las salas de concierto, aunque latente entonces, no tomaría forma hasta años más tarde.

Éxitos del momento

Así, abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en una editorial de música en los que, sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda. Pronto se animó él mismo a componer sus primeras canciones, algunas de las cuales consiguieron cierta popularidad y, sobre todo, le valieron la oportunidad de escribir su primer musical para Broadway, "La, la, Lucille". Su inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor. A éste siguieron otros títulos como "Lady Be Good, Oh Kay!", "Funny Face, Girl Crazy" y "Of Thee I Sing", que contribuyeron a cimentar su fama y a convertirlo en un personaje aún más popular que sus admirados Kern y Berlín. A partir de la década de 1920, inició también la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto. Fecha señalada en este sentido fue la del 12 de febrero de 1924, cuando estrenó en el Aeolian Hall de Nueva York su célebre "Rhapsody in Blue". La obra, despertó cierta polémica, cosa bastante común en los estrenos de las obras de muchos compositores del siglo XX, pero en poco tiempo consiguió hacerse con un puesto en el repertorio de los mejores solistas y las más destacadas orquestas. El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas.

En 1925 compone su Concierto para piano en fa.

Viaje a París

	Swanee Al Jolson cantando "Swanee", compuesta por George Gershwin e Irving Caesar en 1919 .
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George Gershwin, con mínimos estudios formales, quiso profundizar en la composición, ya que sus conocimientos eran más bien intuitivos. Las respuestas de los maestros que Gerswhin consultó hablan por si mismas, ya que ninguno de ellos consideró que su conocimiento intuitivo de la música fuera un obstáculo para él. Aunque el especialista en música del siglo XX Alex Ross cree que es una leyenda, se cuenta que intentó ser discípulo de Ígor Stravinski, éste le preguntó: «¿Cuánto dinero ganó usted el año pasado?». «200.000 dólares», respondió el joven Gershwin. «Entonces yo debería tomar clases con usted», respondió el maestro. Ravel se negó a darle clases, argumentando lo siguiente: «usted perdería su gran espontaneidad melódica para componer en un mal estilo raveliano. ¿Para que quiere ser un Ravel de segunda, cuando puede ser un Gershwin de primera?^{[cita requerida]}».

Culminación de su carrera

En 1935 Gershwin estrena su ópera Porgy and Bess, un retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos. A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo. Luego de Porgy y Bess, George Gershwin comenzó a componer música para películas. Ese mismo año se mudó a California y escribió “Shall we dance?” (¿Bailamos?) para Fred Astaire y Ginger Rogers, y “A damsel in distress” (Una damisela angustiada) para Astaire, Joan Fontaine y Gracie Allen. A comienzos de 1937 comenzó a experimentar dolor de cabeza, mareos y desmayos. Los análisis no revelaron ninguna causa aparente, pero el dolor de cabeza se incrementó con mayor frecuencia y severidad hasta que el 9 de julio Gershwin colapsó en un estado de coma y le fue diagnosticado un tumor cerebral. La Casa Blanca envió dos destructores para que trajeran de su yate, en la Bahía de Chesapeake donde se encontraba de vacaciones, a uno de los más prominentes especialistas de cerebros. Con el tiempo necesario, el Dr. Dandy alcanzó el aeropuerto Newark en su camino a Hollywood; sin embargo, los cirujanos locales decidieron que era necesario operar a George y se encontraron con una situación desesperante. Gershwin nunca se despertó de su coma y falleció el 11 de julio de 1937, a dos meses y medio de cumplir los 39 años, silenciando prematuramente a una de las voces musicales estadounidenses más frescas y creativas. El novelista John O’Hara resumió la actitud de muchos estadounidenses quienes se rehusaron a creer que Gershwin había muerto cuando dijo, “No lo creeré si yo no quiero”.

Discografía

La producción discográfica sobre la obra de George Gershwin parece muy desequilibrada. Así, mientras son incontables las versiones de Rhapsody in Blue o An American in Paris, la mayor parte de sus comedias musicales permanece inédita o se distribuyen como bandas sonoras de las comedias cinematográficas realizadas a partir de ellas. En los años 90, sin embargo, la iniciativa de Tommy Krasker propició el Leonore Gershwin-Library of Congress Recording and Publishing Project. A través de la colaboración entre la Biblioteca del Congreso y la fundación dirigida por Leonore, viuda de Ira Gershwin, se pudieron recopilar materiales dispersos y localizar partituras parciales. Una vez restaurados, se procedió a la grabación y edición de algunas de las más famosas comedias musicales debidas a la colaboración de ambos hermanos. Por orden cronológico de estreno oficial de las obras, esta iniciativa incluyó:

§ Lady, Be Good (estrenada el 1 de diciembre de 1924). Música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin sobre libreto de Guy Bolton y Fred Thompson. Dirección de Eric Stern. Elektra Nonesuch (1992) 7559-79308-2.

§ Oh, Kay ! (8 de noviembre de 1926). Música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin sobre libreto de Guy Bolton y P.G. Wodehouse.

§ Strike Up the Band's (5 de septiembre de 1927 en su primera versión, 14 de enero de 1930 en segunda versión). Música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin sobre libreto de Geroge S. Kaufman. Dirección de John Mauceri. Elektra Nonesuch (1991) 7559-79273-2.

§ Girl Crazy (14 de octubre de 1930). Música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin sobre libreto de Guy Bolton y John McGowan. Dirección de John Mauceri. Elektra Nonesuch (1990) 7559-79250-2.

§ Pardon My English (20 de enero de 1933). Música de George Gershwin y letras de Ira Gershwin sobre libreto de Herbert Fields y Morrie Ryskind. Dirección de Eric Stern. Elektra Nonesuch (1994) 7559-79338-2.

Además, se han aprovechado los cilindros grabados por el propio Gershwin para la edición de dos recopilaciones de obras pianísticas:

§ Gershwin Plays Gershwin: The Piano Rolls volumen 1. Elektra Nonesuch (1993). 7559-79287-2.

§ Gershwin Plays Gershwin: The Piano Rolls volumen 2. Elektra Nonesuch (1995). 7559-79370-2.

Todos ellos en formato CD.